Olá, bem-vindos ao oitavo episódio do programa Histórias de Arte. Eu sou Rui Ramos, historiador, e comigo está João Carvalho Dias, diretor adjunto do Museu Calouste Gulbenkian. Este programa é quinzenal e resulta de uma colaboração entre o Museu Calouste Gulbenkian e a Rádio Observador. O objetivo é conversarmos sobre a arte que está representada na coleção do Museu Gulbenkian, sobre as épocas históricas em que essa arte foi produzida, sobre o modo como foi conservada e ainda sobre o impacto que teve e continua a ter no nosso tempo. No episódio anterior, começamos a falar da arte da Europa dos séculos XVII e XVIII no Museu Calouste Gulbenkian e começámos pela pintura. Mas Gulbenkian não se interessou apenas por pintura, sobretudo no caso do século XVIII, um século que o fascinou especialmente. Certo?

Certo. De facto, os gostos de Gulbenkian percorrem as artes do século XVIII, sobretudo a produção francesa, da pintura à escultura, da ourivesaria ao mobiliário, dos têxteis à arte livre e por aí fora.

Talvez possamos começar por falar de escultura, representada na coleção por obras de autores muito famosos no século XVIII, como Lemoyne e Caffieri. Mais uma vez, vamos encontrar retratos, como o busto de grande realismo de Molière, em terracota, da autoria de Jean-Jacques Caffieri, de 1785. Terá sido produzido a partir de uma estátua de Molière encomendada para o Louvre, o que sugere que este busto em terracota poderá ter sido uma produção para um novo tipo de público, que queria ter a arte em casa, aqui, aliás, de uma maneira dupla: a obra em si e o representado, que é um grande autor de teatro, Molière. Há, aliás, também outro busto de Robert de Beauvais, um poeta francês do século XVIII, por Jean-Baptiste Lemoyne, de 1765, e parece um sinal de como os homens de letras, ao longo do século XVIII, se tornaram centrais na arte, como representados, como críticos, como teóricos, isto é, como mediadores entre a arte e o público.

Exatamente. Aliás, essa tradição iniciada neste período, que vem do passado e que entretanto é recuperada e que vai ter sequência depois no século XIX e até no século XX, porque estes bustos estão um pouco pelas bibliotecas, estão um pouco por todo lado, nos edifícios públicos, por aí fora.

E nas ruas.

E nas ruas, exatamente.

Ali na Avenida da Liberdade temos vários bustos.

Temos vários desses. Agora, existe uma frescura e uma delicadeza na execução das esculturas em terracota, que são os exemplos que referiu. E isso era muito do agrado do público consumidor de arte. Há algo de espontâneo no busto de Molière, de Caffieri, uma espécie de movimento interrompido. O grande dramaturgo em ação, porque ele era também um ator. Um ator e um meteur en scène, quer dizer, alguém que conduzia a sua trupe de atores. Agora, é interessante também que Molière não é um contemporâneo de Caffieri, o escultor que o imortalizou, tal como muitos outros o haviam já feito antes. Molière já pertencia à história.

Sim, no século XVII.

Exatamente, século XVII, que trabalhou pra Luís XIV. Daí a encomenda do diretor-geral dos monumentos de Luís XVI para integrar aquilo que se chamava o Museum, uma nova instituição que pretendia proceder à educação dos jovens artistas e ao prazer dos curiosos. Era um pouco esta a ideia. No caso de Robert de Beauvais, é definitivamente uma escolha de Lemoyne, que o incluiu numa galeria de ilustres, como outros, Voltaire, Montesquieu e Diderot, que ele esculpiu. É um poeta satírico, um tanto libertino, portanto é curioso como ele está a ombrear com Voltaire, Montesquieu e Diderot, os grandes deste período, mas ao mesmo tempo, um poeta que cativou a atenção de Jeanne du Barry e do próprio Luís XV. Curiosamente, esta escultura também pertenceu a Jacques Doucet, que falamos a propósito do pastel de Quentin de La Tour, e que obviamente confirma um pouco esta questão dos gostos, dos proprietários e da forma como eles vão adquirindo arte ao longo do tempo.

Estivemos a falar de retratos, mas os escultores continuaram a trabalhar temas tradicionais Como por exemplo, as figuras mitológicas. E aqui Gulbenkian adquiriu nas coleções russas, mais uma vez, uma das estátuas mais famosas e talvez polêmicas do século XVIII, a Diana, de Jean-Antoine Houdon, de 1780, numa versão magnífica em mármore com dois metros de altura, porque há várias versões noutros materiais e noutras dimensões também. E que esta Diana ocupou durante muitos anos um lugar central na casa de Gulbenkian em Paris, na Avenue d'Iéna. Será possível, ou seria possível, analisar o sucesso desta estátua? Isto é, perceber qual é que foi os ingredientes desse sucesso, o atrevimento, o nu integral, o engenho, a perfeição da execução, o tipo da beleza clássica, claro.

Claro, sempre. Ora, chegaremos lá, mas talvez referir que o Houdon era um mestre em vários materiais. No caso da escultura, a Diana, a deusa da caça, tem uma primeira versão realizada em gesso, 1776. A seguir, há a versão em mármore, 1780, que estamos a falar neste momento, da Coleção Gulbenkian, e depois em chumbo, em 81 e finalmente três bronzes em 90, em 1790. Agora, do meu ponto de vista, a mais deslumbrante é seguramente a versão em mármore da Coleção Gulbenkian. O atrevimento do nu que refere poderá explicar-se através da perfeição das formas do corpo da deusa, que para a Houdon se identificavam com um ideal de beleza, de pureza, isenta de pudor ou vergonha, que estavam reservados aos humanos, essas questões. Um pouco como a Ticiano quando faz a representação do sagrado e do profano. Em que o sagrado, efetivamente, dispõe.

A sua inocência, a sua pureza.

Exatamente, a sua pureza.

E o perfil é o que tem que esconder.

Exatamente. Portanto, de alguma forma, essa linha está aqui. Houdon é efetivamente o grande escultor do final do século XVIII, um escultor culto, que lê a lição do classicismo e que vai obviamente plasmar isso na sua arte, na sua escultura. É também um escultor viajado, com encomendas na Rússia, nos Estados Unidos, aliás, ele faz o busto de Washington. É, na verdade, em contexto neoclássico, que surge esta escultura, que desafia as leis da física, porque ela está em movimento e é em mármore. Nós esquecemos que aquele branco lívido do mármore é efetivamente um material muito duro e muito difícil de trabalhar. E isso também é o gênio do próprio escultor.

Sim, o engenho.

O engenho, exatamente.

É uma construção, de facto.

Exatamente. Isso é certo. Pelas informações que chegam até nós, há quem diga que efetivamente não seria uma das esculturas favoritas de Catarina, a Imperatriz da Rússia, mas obviamente que seria uma das favoritas de Gulbenkian, porque ele teve a oportunidade de a adquirir e quis muito esta escultura. E a própria localização da escultura na casa, no arranque da grande escadaria de aparato, ela quase que conduz o visitante ao piso nobre, ao piano nobre no primeiro andar. Portanto, acho que tem a marca de Gulbenkian, que muito curiosamente, e agora por investigações mais recentes, tem efetivamente o papel primordial na decoração da casa e não os decoradores que nós de alguma forma atribuíamos. Os decoradores estão ali para confirmar as suas próprias.

Os técnicos, mas quem está a imaginar é Gulbenkian.

Exatamente.

Só uma nota, esta Diana também é uma das últimas peças a vir da Avenue d'Iéna.

Exatamente. Aliás, ela tem, relativamente a outras peças, o problema de serem consideradas tesouros nacionais da França e é com Malraux, o ministro da Cultura, que consegue efetivamente uma autorização especial pra que elas saiam, porque efetivamente tinham sido compradas pelo senhor Gulbenkian, tinham este selo, mas tiveram que passar exatamente por várias fases até conseguirem a autorização final.

Se houvesse dúvida de que estamos a falar quando falamos deste século XVIII, de uma época de grande prosperidade, em que o gosto do público se tornou requintado e a perícia dos artistas atingiu níveis extraordinários, eu acho que não teríamos mais que fazer do que passar a outras dimensões da Coleção Gulbenkian, como o mobiliário e a ourivesaria. O mobiliário, sobretudo o mobiliário de origem francesa, e muita desta arte, já agora entre parêntesis, muita desta arte é francesa, tal como muito deste século foi francês, já que a França foi a maior potência política e militar da Europa no século XVIII, com uma corte que marcou o gosto do resto da Europa, era o que acontecia em Versalhes, que depois os outros príncipes copiavam e imitavam. Mas estava a dizer que este mobiliário reflete bem o gosto pelo conforto que a prosperidade permitiu e ao mesmo tempo o gosto pelo luxo e também pelo engenhoso, pela inovação, por exemplo, as linhas curvas na mobília, pelo exótico, o uso de lacas japonesas. E poderíamos, a esse respeito, deter-nos no grande canapé de Jean-Nicolas Blanchard, cerca de 1784, e notar também o requinte do têxtil Neste caso, uma tapeçaria dos Gobelins, uma fábrica de tapeçaria parisiense que trabalhou para a corte desde o tempo de Luís XIV e creio que ainda continua a trabalhar para o Estado francês.

É curioso. E com o saber acumulado, porque têm catálogos absolutamente extraordinários em que têm ainda as amostras de muitos tecidos, portanto conseguem reproduzir, e as tintagens que são feitas à época. É efetivamente todo um modelo. Aliás, o Palácio de Versalhes tem agora uma ala dedicada a Jeanne du Barry, que foi reconstruída à época e ao gosto de Jeanne du Barry, recorreu a muitas destas manufaturas antigas, que é o início da revolução industrial, digamos assim, e que obviamente aplicaram no restauro. E é muito interessante o surgimento, neste período, dos móveis mecânicos, não é o caso deste. São móveis que funcionam e isso é muito interessante. A qualidade dos materiais, o requinte da execução, em que se combinam múltiplas soluções de ordem prática e de funcionalidade. Estamos já no âmbito do design. Embora não tenha nada de mecânico, o grande canapé de Blanchard associa efetivamente esta beleza e uma pretensa funcionalidade. E o que é esta pretensa funcionalidade? Ele chama-se Canapé à Confident, um sofá para confidências.

Para confidências.

E por quê? Tem um grande assento central, a que se associam nas extremidades dois assentos triangulares. O assento central destinar-se-ia a acomodar os volumosos vestidos femininos, enquanto os cantos teriam reservados aos homens. E isto permitia que entre eles trocassem bilhetes, todo este jogo de sedução e de bastidor, digamos assim, que um móvel como este pode suscitar. Tem madeiras de nogueira, faias douradas, completamente esculpido, portanto, temos aqui também trabalho de escultor. Não é só o marceneiro, é o marceneiro, é o escultor, é o estofador. A tapeçaria, como falou, tem uma decoração floral e é uma encomenda Luís XVI, isso é comprovado, uma encomenda do próprio rei para os aposentos das suas tias, filhas de Luís XV, as designadas Mesdames de France, Marie Adelaïde e Sophie Philippine, e para o Palácio de Bellevue. Tudo está identificado, é um móvel absolutamente notável.

É um móvel que vem dos palácios reais de França.

Dos palácios reais de França, exatamente.

Calouste Gulbenkian reuniu ainda obras de alguns dos maiores mestres de ourivesaria a trabalhar em Paris no século XVIII. Nós temos uma tendência, por vezes, para reduzir a ourivesaria ao valor dos seus materiais preciosos ou ao seu aspecto utilitário, mas estamos aqui perante demonstrações extraordinárias de perícia e de invenção artísticas que sugerem como a ourivesaria, que às vezes tratamos como arte menor, interagia com as artes maiores, por exemplo, a escultura. É o caso de, aqui falado entre várias peças, do centro de mesa em prata de François-Thomas Germain, de 1766. É uma obra notável.

Aliás, é interessante, e isso está patente no mais recente catálogo da Coleção Gulbenkian, dedicado exatamente a este capítulo, à ourivesaria, em que se refere que a coleção de ourivesaria reunida por Gulbenkian é a mais importante do seu tempo. É uma opinião de especialistas, não é minha. São 158 peças, das quais 91 são consideradas obras-primas. Gulbenkian era um amante de ourivesaria francesa do século XVIII. E é interessante porque ele percorre décadas perseguindo objetos. E alguns deles, que se cruzaram na vida dele e que mais tarde vêm a integrar a sua coleção. Portanto, não é de estranhar quando surge a oportunidade de adquirir obras de arte das coleções do Hermitage, em 28 e depois 29 e 30, o colecionador Gulbenkian agarra esta oportunidade com unhas e dentes.

Imagina-se.

E entre as obras que adquiriu, conta-se o centro de mesa, que em francês é chamado um surtout, de François-Thomas Germain, uma encomenda do Conde Piotr Grigorievich Chernishev, e que pertenceu às coleções imperiais russas a partir de Alexandre III. É muito interessante isto também. É uma investigação mais recente, porque durante muito tempo ele esteve atribuído ao serviço de Saltykov e à propriedade da Imperatriz Elisabeth, e efetivamente as coisas estão arrumadas neste momento desta forma. São esculturas em prata, de execução muito refinada, como é hábito de François-Thomas Germain. O ourives Marcello Kock, que foi enviado a São Petersburgo por Gulbenkian, refere no seu relatório que o centro de mesa de três peças é um esplendor de composição escultórica e de execução. Talvez ainda referir que a peça central, o Baco inebriando Cupido, pesa 36,5 kg e as duas peças laterais pesam 9,12 kg e 9,6 kg. O conjunto, estamos a falar de 55 kg de prata.

É muita prata.

É muita prata.

Mas, sobretudo, incrivelmente trabalhado.

Extraordinário. Um objeto escultórico em si, com uma vida deslumbrante, porque obviamente é cheio de reflexos e de pormenores e, portanto, brilho.

Para voltar à pintura, o museu tem ainda um retrato a óleo do ourives Precisamente François Thomas Germain, de 1736, da autoria de Nicolas de Largillière, onde aparece um jarro que faz vagamente lembrar outra peça da Coleção Gulbenkian muito importante, que é o jarro em jaspe, de autor desconhecido e da mesma época do retrato.

É, de facto, uma pintura muito interessante do casal Germain. O ourives aponta para um modelo de candelabro muito idêntico ao que seria fornecido pelo seu filho ao rei Dom José I de Portugal. Portanto, depois do terramoto, há uma encomenda de um novo serviço ao Germain, enquanto segura com a outra mão uma peça com montagem. Essa peça com montagem é aquela que, de alguma forma, se relaciona com o jarro. Por quê? Porque é uma peça com montagem. O jarro que refiro, em jaspe vermelho polido, é talhado num bloco único e apresenta uma montagem em ouro com decoração Rocaille, com um menino, um animal híbrido que é parte cabra e outra uma espécie de monstro, com folhagem que ocupa a tampa e a parte do colo e da asa. É um trabalho atribuído pelo investigador que trabalhou a coleção de ourivesaria, Peter Führing, ao ourives Juste-Aurèle Meissonier. Gulbenkian tinha adquirido esta peça ao Barão Henri de Rothschild em 43. Já falámos dele a propósito de Maurice-Antoine Latour.

Finalmente, estando a falar dos séculos XVII e XVIII, temos de falar de livros. A imprensa fora inventada dois séculos antes, mas é nestes séculos, e sobretudo no século XVIII, que a produção de livros na Europa se expande e se forma um público leitor, de livros, jornais, panfletos, que vai ser determinante para os grandes acontecimentos políticos e culturais, como por exemplo, a Revolução Francesa de 1789. No caso dos livros, Calouste Gulbenkian parece também ter sido atraído por um aspecto da edição que remete, mais uma vez, para a qualidade artística, como a ilustração e, sobretudo, a encadernação.

Exatamente. É interessante porque Gulbenkian iniciou a sua coleção de livros, objetos de arte, em 1899, com a aquisição de um conjunto de obras de edição francesa do século XVIII. Este é o arranque da coleção, a que viria a juntar depois exemplares de grande qualidade, tanto ao nível da impressão, da ilustração, da encadernação, como referiu. São, muitos deles, obras únicas, fruto de encomendas, almanaques, poesias, livros de festas, obras de espírito enciclopedista, obras literárias de relevo. Até à Revolução Francesa, o mercado livreiro francês, na França, ditava as regras da qualidade, que todas as nações de alguma forma iriam copiar. Uma centralidade extraordinária. A França teve um boom neste período, o que ajudou a disseminar ideias, os hábitos, os costumes. O salon, os clubes de leitura, as bibliotecas foram fundamentais para esta, nós hoje em dia diríamos, democratização da leitura e do livro, mas é o livro a chegar a mais gente do que chegava anteriormente. E isso também é impulsionado pela procura, que advinha de uma maior alfabetização. Há episódios engraçadíssimos que a imprensa da época diz que os varredores de rua interrompem o varrer porque estão a ler. Há todo um pitoresco à volta da leitura extremamente interessante, mas que reflete esta vaga, este interesse, esta novidade de chegar a muitos, o livro e a leitura, ainda que na Coleção Gulbenkian eles depois são revestidos por encadernações luxuosas e cheias de pedigree.

Verdadeiramente um século em que a Europa aprendeu a ler e tomou o gosto da leitura. O século XVIII. Obrigado ao João Carvalho Dias. Voltaremos daqui a 15 dias para falarmos de outra época da arte europeia, também muito bem representada na coleção e no Museu Calouste Gulbenkian, o século XIX. Até lá e contamos consigo.