Pintor, escultor e agora também escritor. O lisboeta Rui Caruso apanhou há 25 anos o vício da pintura e nunca mais parou de criar. Já participou em mais de duas centenas de exposições individuais e coletivas, incluindo nos Estados Unidos e na China. Um rei, um príncipe e a própria Cicciolina têm obras dele. No coletivo 284, nas Amoreiras, está patente até 3 de dezembro a sua última exposição, Essência, onde além de quatro dezenas de telas, sempre vibrantes e dinâmicas, a meio caminho entre o figurativismo e o abstracionismo, o seu estilo tão próprio, a que nos habituou, apresenta agora uma novidade: instalações experimentais, onde colagens de vários materiais e até luzes conferem uma terceira dimensão às suas criações, que de si já são tão dinâmicas. Olá, Rui, e bem-hajas por teres aceitado este meu convite. Bem-vindo à Rádio Observador.

Boa tarde, João. Eu é que agradeço o convite. É um gosto estar aqui também.

É um prazer estar aqui contigo. Tu até porque tens um percurso muito curioso. Tu, que seguiste uma vida académica muito ligada às ciências exatas, à economia, tiraste Economia, na Universidade Lusíada, era o que tu estudavas. És, aliás, apaixonado por isso. E de repente houve uma altura em que decidiste unir essa paixão pela arte. Essa paixão pela arte aconteceu quando tinhas para aí uns 20 anos? Como é que isto apareceu?

Não, ela de certa forma esteve sempre presente. Mas eu acho que o meu percurso, à semelhança, se calhar, de muitas pessoas também, a dada altura dividiu-se ali, sobretudo quando temos ali 16, 17, 18 anos e temos que tomar aquela decisão, que é o que vais fazer da tua vida. A nossa tendência e a nossa orientação, até dos nossos pais, é por alguma coisa, tomar uma decisão racional, uma decisão muito orientada para um emprego estável, que te traga alguma estabilidade.

Tu disseste aos teus pais que ias para pintura, que tu querias fazer pela vida, eles ficavam tristes.

Eu acho que aconteceria aquilo que aconteceu a muita gente, que é: "Está bem, pinta, continua a pintar, mas faz a tua vida normal".

Mas tem um emprego normal.

Exato.

E portanto, vais para Economia ou vais para Direito ou vais para Medicina.

Para Pintura.

E gostas, que ainda é mais curioso. Tu não estavas zangado.

Não, de todo. Mas a parte que eu mais gosto até é ligada à Matemática, a Ciências, a Física. Essa área, digamos assim, ainda mais de ciências.

É engraçado dizeres isso, porque pelo menos o movimento e as leis da Física, da estática, da dinâmica, da inércia, isso tu continuas a usar. Exato, nas tuas pinturas, é impressionante.

Eu acho que, de certa forma, a pintura, se calhar, à semelhança de qualquer outra arte, como a música, o canto, por aí fora. Eu acho que qualquer artista acaba por manifestar o seu eu. E portanto, com tudo aquilo que ele possui.

A sua identidade.

É, sua identidade e as suas características. E portanto, o meu gosto pela Filosofia, até pelas Ciências Exatas, como pela Física, eu acho que invariavelmente acaba por se manifestar também nos meus trabalhos, que não sei se queres que entre já um bocadinho nisso ou não, mas acabam por ter uma componente, digamos assim, quase ligada a essa área, porque eu procuro passar na minha pintura movimento, a relatividade, se quiseres, do tempo, do espaço.

Que é muito curioso.

É um figurativo assim meio abstrato e que está fragmentado. E quando nós entramos, por exemplo, agora mostrando aqui um cadinho na área da Física, alguém que estude Física sabe que o mundo, depois, quando é analisado assim, também tem essa subjetividade, essa relatividade do próprio tempo, do próprio espaço. Portanto, eu acho que está tudo mostrado.

Mesmo as coisas mais concretas e mais parecem plásticas, digamos assim, mais juntas. Quando é analisado a uma escala muito micro, nano, são separados, são partículas com vazios no meio. Tudo isso também está aí fracturado, digamos assim. E as tuas pinturas são muito assim. Tens muito esta coisa das linhas.

Eu sinto isso.

Que recortam os teus quadros e dão essa vida.

Eu acho que quem pinta, tens várias correntes na pintura, como é óbvio. Tens aquela pintura muito figurativa, muito realista ou hiper-realismo, que procura retratar a realidade tal como ela é.

Autênticos retratos.

Eu estou noutro. Digamos que é uma pintura, se eu posso dizer assim, mais criativa. Que sai cá mais de dentro, mais imprevisível. O Picasso costumava dizer: "Eu não pinto aquilo que vejo, eu pinto aquilo que penso". E daí aquela abstração dele. Mas eu acho que ele resume bem nessa frase aquilo que eu quero dizer. Porque eu também acabo por pintar, não é aquilo que vejo, mas é aquilo que penso também.

Exatamente.

E a forma como vejo o mundo.

É muito curioso. Eu lembro-me que tu tinhas até atribuído um nome, um cadinho a esse estilo, o sinuosismo, que era coisas serem sinuosas. Mas sinuosas a mim, por acaso, dá mais ideia de curvas do que propriamente as coisas fracturadas, separadas.

Isso faz sentido, mas se calhar quando eu comecei a levar a pintura mais a sério, se calhar cerca de 20 anos atrás, por aí. De facto, é engraçado. Eu tinha uma lógica muito mais orgânica da forma de retratar as coisas na pintura, fosse o que fosse, uma paisagem, uma figura.

Uma natureza morta, como agora tens. Têm as mulheres que tu gostas de pintar.

Tinha uma lógica mais orgânica e, portanto, mais sinuosa, com mais curvas. E só fazendo aqui um paralelismo, é assim, desde Einstein que nós sabemos que o espaço é curvo, por muito curioso que isto possa ser. E, portanto, tudo é curvo. Ok? Embora não pareça. E, portanto, havia já aí uma relação.

O estado do universo.

Havia já aí um cadinho essa relação. Mas a verdade é assim, e ainda bem, nós mudamos, a nossa forma de ver o mundo vai mudando.

O teu estilo, portanto, acompanhou também, evoluiu.

Consequentemente, também mudou.

As primeiras coisas que tu pintaste são muito diferentes dessas que a gente pode ver agora no coletivo 284.

É engraçado, é uma pergunta interessante, mas eu acho que quando se analisa o percurso de qualquer pintor, eu acho que dá para estabelecer um fio condutor.

Há fase, obviamente.

Claro.

Fase azul do Picasso.

Exatamente. E há saltos grandes, como eu tive, por exemplo.

Sim.

Mas há sempre um fio condutor Que eu acho que é visível e que permite ligar e associar, às vezes, o mesmo pintor a fases bastante distintas.

Estamos a falar de identidade, portanto, estás mesmo metido nesse projeto. No coletivo, é incrível. Mas tu em pequeno, Rui, tinhas mão para o desenho, tinhas muito jeitinho. Tinhas bons professores de desenho, gabavam-te os teus desenhos em casa ou na escola, por exemplo?

É uma boa pergunta, nunca pensei nisso dessa forma.

O teu passado mais infantil.

Não tinha más notas a Educação Visual. Não sei se isso conta.

Não destacavas dos teus colegas.

Eu lembro-me de uma vez que ficava bastante orgulhoso, já não sei em que ano foi, porque fui escolhido para ir para um concurso qualquer. E depois confesso que não soube qual foi o resultado.

A tua memória seletiva se calhar apagou essa parte.

Depois fui selecionado da turma.

Muito bem.

Eu acho que desde pequenino sempre tive gosto e sempre procurei desenhar e fazer desenhos.

Visitavas museus com a família ou com a escola? Ias a museus?

Infelizmente, não sei se é infelizmente, é o que é. Mas não tive a cultura que se calhar hoje nós procuramos ter. De fazer visitas com mais frequência a museus, a exposições de pintura. Os meus pais eram pessoas nesse aspeto relativamente, não quer dizer conservadoras, talvez não seja esse o termo. Mas não havia muita cultura de visitar exposições, de ir a galerias. Os museus, sim, mas eram museus mais convencionais, ir ao Convento de Cristo, ao Mosteiro dos Jerónimos.

Ao Jerónimos.

Certo. Imagina, a Coleção Gulbenkian nunca me lembro de ir, ou assim uma semelhante, entendes? Portanto, de facto, para o bom ou para o mau.

Tu és autodidata nesse aspeto, não é? Fizeste depois muita formação dentro da pintura?

Eu gosto de dizer que sim.

Mas tiveste que educar-te a ti próprio. Tu tens dois rapazes como eu, levas a museus e a galerias? Tens essa preocupação?

Claro que tenho que tentar dosear, coitados. Por exemplo, exposições, às vezes: "Pai, só vai a tua". Os amigos e conhecidos e as galerias a convidar.

Sim, é muita coisa.

Não temos agenda. Não é isso. Acho que depois caímos no outro extremo. O ideal é tentarmos ter sempre o equilíbrio.

É engraçado tu, sendo autodidata, e começaste a pintar já lá vão uns 25 anos à séria.

Sim, a expor, a vender.

Encaraste, no fundo, a pintura como uma atividade organizada. Isto tendo a passar, mais ou menos, em 1998. Começaste a partir dos 20 anos a entrar em exposições coletivas e privadas. Mas é engraçado, tu apesar de autodidata, educaste-te. Tiraste curso de desenho nas Belas Artes, na Sociedade Nacional de Belas Artes, depois aprendeste gravura, aprendeste aquele curso em Florença de técnicas de pintura renascentista. Isto é extraordinário, eu gosto imenso. E até escultura em pedra, foste aprender isso.

Muitos não me veem até ao fim. Eu gosto de me considerar um autodidata nesse sentido, não querendo ser injusto, porque naturalmente absorvi esse conhecimento todo. Mas confesso-te que quando olho para trás, eu sinto que aprendi mais em ateliês de artistas e com artistas e em exposições do que propriamente com os cursos. Escultura, basicamente, fiz poucas e eu sou muito ansioso e muito criativo, tenho que ver as coisas logo a acontecer.

Mas estas tuas instalações novas e estas coisas que fizeste agora, têm um bocadinho de escultura também.

É verdade.

As colas.

É verdade. Mas eu gosto de dizer isto, porque quando nós pensamos em escultura, invariavelmente pensamos em, imagina, em mármore, em bronze, coisas assim.

Michelangelo.

Pensamos logo ali andar com o martelo, um mês de volta de uma peça. Sim, esta vertente agora, que não foi mais do que tentar materializar os meus quadros em três dimensões, vamos pôr as coisas assim.

Sim, eu reparei nisso. Era para dizer-te isso, porque é muito isso.

Fugi um bocadinho das duas dimensões, entrei nas três dimensões.

Exato. Se eu me dessesse uma escultura ou uma transposição de um quadro teu, de um género de quadro que tu faças para a escultura, pensaria naquilo, como está, e com luz e tudo. É um trabalho muito bem feito, muito curioso, muito novo. Tu, entretanto, fundaste, estamos agora a falar já faz uma década, o Ateliê Internacional de Belas Artes, onde chegaste a dar aulas.

Sim.

Ainda hoje existe ou já não?

Não, ainda existe. Eu entretanto afastei-me há um ano, no sentido de dar aulas, porque o ateliê ainda é meu.

Durante a pandemia?

Não. A pandemia, como sabes, teve várias fases. Houve uma fase que esteve completamente fechada e nós tentámos dar aulas online. E a verdade é que resultou. E depois houve aqueles períodos meio de contingência, em que tínhamos que criar o distanciamento, essas coisas, e também conseguimos adaptar-nos. E foi curioso, porque houve coisas boas, coisas menos boas, como sabes. Porque as pessoas, por um lado, estavam em casa e com mais disponibilidade para se dedicarem a estes hobbies. E a desvantagem de não poderem conviver. Que é uma parte importante.

Não poderes corrigir a mão em cima das pessoas.

Sim, e o próprio convívio, a partilha. É aquilo que eu te estava a dizer, ou seja, nós, por exemplo, temos um ateliê em que cada um está a pintar uma coisa diferente. E é impressionante aquilo que tu aprendes a fazeres o que estás a fazer, o normal. Mas a veres o que está a acontecer à tua volta e a ver o que é que corre bem, o que é que corre mal no quadro do teu vizinho e do outro vizinho, e da outra vizinha.

Mas quando é assim as aulas então várias pessoas à volta de um quadro, não pintam só o mesmo modelo?

São poucas. Isso é uma escola, digamos assim, convencional. Nós chamamos mais ateliê, na medida em que são muito poucas pessoas. Então cada um tem um projeto individual. Imagina, tu tens 10 pessoas, no máximo. Então tens uma pessoa que nunca pintou na vida, está a começar, e tens outra que pode já estar conosco há cinco ou seis anos e está a organizar exposições. Então é interessante essa heterogeneidade, essa simetria, porque há uma partilha muito interessante. E depois um pinta à espátula, outro pinta com pincel, um pinta a óleo, pinta com a tinta.

Um pinta a carvão.

É, e tu vais vendo e vais absorvendo aquilo tudo. E depois é engraçado porque eles: "Porra, estou a gostar daquilo. Próxima vez vou experimentar aquela técnica, fazer também aquilo. Afinal, pensei que não era tão interessante."

Muito curioso.

E para mim, confesso que às vezes sinto um bocadinho de falta, porque pintar também é um ato solitário. A verdade é essa. Até a parte boa, que a pessoa parece estar a meditar. E está. E estás noutro planeta.

Estás noutra, digamos assim.

Estás noutra frequência.

Tu isolas-te muito pra pintar.

Não faço questão, mas acaba por acontecer. Acho que é normal.

E pões fones, tens uma playlist quando estás a pintar ou não?

Não, mas ouço rádio.

Já sabes agora qual.

Não gosto, não é? Gosto, mas não ponho fones, quer dizer, continuo a ter contacto com o mundo.

Com o mundo real.

Com o mundo. Embora estejas em processo de meditação.

Rui, estamos a falar aqui um bocadinho do teu estilo. Estávamos a falar, e eu achei curioso, a questão dessas tuas rotinas. Como é a tua rotina? Tu todos os dias pintas?

Faço por isso. Não quer dizer que consiga sempre.

Mas tentas.

Sim, mas eu diria que sim. Diria que todos os dias pinto.

Por que tu pintas? Tens alguma missão? Tornar o mundo melhor, fazer coisas bonitas, ocupar tua cabeça? Tens alguma missão que tu sintas: "No fundo, eu pinto pra isto."

Olha, é uma pergunta profunda.

Quer dizer, pensar pra casa e depois... Não, estou brincando.

Quanto tempo é que temos?

Se eu te vier aqui no Castelo. Se eu te vier é no Castelo. E com uma hora lá aperto.

Não sei se posso monopolizar aqui o tempo até amanhã.

Não, estás à vontade.

Mas confesso que não tenho a resposta completa pra essa pergunta.

Há uma motivação?

Eu acho que na essência é: tenho essa necessidade. E de fato tenho essa necessidade, acho que sempre tive. Eu acho que pintar acaba por ser comunicar e, portanto, é uma forma de manifestar alguma coisa que nós queremos dizer. E, portanto, de fato tenho essa necessidade. E depois dá-me um gozo bestial. Não sei, se tu fazes entrevistas, diz-me tu. Se calhar um cantor, por que cantas? Um bailarino, por que danças? Enfim.

Exatamente.

Quer dizer, há ali uma necessidade de manifestar qualquer coisa que nós temos, que tem que sair. E a dada altura, tu tens essa necessidade, dá-te um gozo brutal e tu achas que até podes viver disto ou podes materializar isto de uma forma mais consistente, mais estruturada.

Tens um bom feedback, tens sítios e pessoas com as tuas obras em casa. Dá gozo, não é? Ter pessoas.

Eu acho que é essencial.

Embaixadas, como a da Polónia, por exemplo.

Eu acho que é essencial. Claro, acho que são massagens ao ego que nos alimentam. Portanto, eu acho aquela história do artista que não precisa de ninguém.

Pinta só pra si, guarda tudo.

Eu acho que isso é muito romanceado e é uma forma muito estereotipada do Van Gogh, que deve ter sido dos poucos.

Coitado, nunca vendeu, vendeu um, acho.

Pois, e portanto, há ali uma história sempre, quer dizer, e o artista é muito associado a ele, mas a verdade não é essa, a gente sabe que a verdade não é essa.

Tu tens, por exemplo, se não me engano, um quadro do Fernando Pessoa, falámos disso há bocado, do Fernando Pessoa, um belíssimo quadro teu, que está na nossa embaixada em Cracóvia, se não me engano.

Olha, é em Varsóvia.

Varsóvia.

Confesso-te que não sei se é o Fernando Pessoa, mas acho que julgo que sim. Julgo que sim, que é o Fernando Pessoa que está lá, portanto, já foi há uns anos também.

E tens quadros em casas de reis e de príncipes e da própria Cicciolina. Por que a Cicciolina, esta Lawrence Carter em Roma, na casa dela?

É uma pergunta curiosa.

Participaste no Salão Erótico, é por isso?

Exatamente.

Mas vendi?

Vendi. Houve uma altura em que eu estava ligado, ou pintava mais coisas ligadas ao erotismo e o Salão Erótico.

Lisboa?

Não sei se te recordas.

Sim, na FIL.

Eles tinham uma componente interessante, é que eles queriam complementar a oferta deles, pra as pessoas não pensarem que se resumia à fotografia, à literatura erótica, à pintura erótica, a um conjunto de coisas à volta. E, portanto, eles queriam que o salão tivesse, de fato, uma conotação mais cultural.

E convidaram-te.

E convidaram-me também. E acabou por ser interessante. E houve um dos anos em que a Cicciolina era embaixadora convidada deles. E ela, curiosamente, é uma pessoa ligada à arte, não só à arte cinematográfica, naquele âmbito, mas foi casada com um escultor conhecidíssimo, o Jeff Koons.

Exatamente.

Sempre esteve metida.

Que é três esculturas para ele.

Precisamente. Talvez seja vivo. Eu não sei se não é o melhor ou atual escultor assim.

Da moda, sim. Completamente.

Portanto, acabou por ser um gosto cruzar-me com ela e inspirar-me nela também, porque fiz algumas coisas pra ela. Lembro-me que na altura fazia umas colagens e ela acabou por ficar com uma colagem minha.

E falaste que chegou a comprar diretamente.

Sim, completamente, uma pessoa extremamente acessível até.

Tu pintas, eu lembro de te ver visitar essa tua exposição no coletivo 284, Galeria 284, ali nas Amoreiras, na Rua das Amoreiras. E saber que tens ali cerca de uns 40 quadros.

À volta disso.

Umas dezenas de quadros teus, e tu certa vez disseste-me: "Cada um que está aqui, um quadro, não é só um que está aqui, eu tenho que pintar pra uns 60. E depois aproveitei estes 40." Quer dizer, é sempre assim? E vais pintando uns e outros ao mesmo tempo, depois bloqueias num, pintas outro e depois voltas àquele pra acabar?

É um bocado isso. É assim.

Isso te acontece?

Tu com certeza que entrevistas vários artistas e todos vão te falar num processo diferente e muito individual.

Claro, pronto. E aqui ouves tu.

Um pintor, lá está, que seja realista ou hiper-realista e que segue uma fotografia ou uma imagem, ele sabe exatamente o que tem que fazer, o que quer fazer, o que está mal, o que não está e, portanto, procura regir isso tudo. Eu tenho uma pintura mais livre, mais criativa. Portanto, eu não sei a metade do trabalho o que vai acontecer.

Pra onde é que ela vai.

Eu conheço o ponto de partida, não conheço o ponto de chegada.

Como alguns autores que escrevem livros e a história depois diz que os personagens conduzem a história. Não sabem onde é que vai acabar.

É um pouco aí.

É incrível.

E o que acontece? É a parte gira, só que tu corres riscos e eu acho que depois descobres coisas fabulosas.

Também é surpreendido.

Também é surpreendido pela negativa.

Que o levou.

Mas também tem que ser surpreendido pela negativa.

Isto é, não é aquilo que eu estava a aspirar.

E, portanto, quando tu te comprometes, imagina, a levar pra uma exposição, vou simplificar, 10 quadros. Se tu pintares só 10 quadros, a verdade é que vais insatisfeito com alguns, porque é impossível, eu diria, que tu em 10 fiques satisfeito com 10.

Exatamente.

Isso também significaria que estarias a arriscar pouco. Isso é que é a verdade. Não estarias a sair da tua zona de conforto. Não, mas é sério, eu conheço-me, e isso é um exercício, uma reflexão que eu faço, e eu tenho que ter trabalhos que corram mal pra eu perceber que estou a passar as minhas barreiras, os meus limites.

A evoluir e a crescer.

Porque aquilo que eu sei que faço bem e que me sai bem, eu posso repetir e aquilo vai me sair bem, mas eu não vou sair dali Eu só saio dali quando alguns correm bem e outros correm mal.

E tu tens muita noção quando é que um quadro está pronto ou és perfecionista? Se agora pudesse dava mais um toque. Como é que é? Fechas.

O Picasso diz que um quadro nunca está acabado. E é um bocado isso que estás a dizer, e eu acho que é sobretudo nesta pintura em que amanhã temos outras ideias. Mas eu tenho uma sensação de equilíbrio. Que estou a olhar para o quadro e sinto que está equilibrado. Claro que tu depois podes sempre olhar para quadros meus de há dois anos atrás: "Epá, se eu voltasse atrás, se calhar fazia diferente". Mas o diferente não tem que ser melhor.

Pois, se calhar pode estragar.

É, porque naquela fase era aquilo. O que eu tenho hoje é uma vontade de fazer as coisas diferentes e, portanto, soluções diferentes.

Muito curioso. Tu, entretanto, fizeste uma série de exposições, já mais de 200 exposições. Estou aqui a ver que tu passaste em 2007.

Sim, eu diria que sim, em coletivas e de grupo, individuais.

Em Nova Iorque, na Broadway Gallery, por exemplo, em 2007, no mesmo ano em que estiveste na China. Estiveste em esses sítios ou mandavam os quadros?

Não, pois. Isso foi uma exposição muito interessante, porque foi itinerante e ela começou em Valência, que eu estive. Nova Iorque não estive na altura e na China também não, porque era tudo muito seguido. Às vezes isso acontece, porque há galerias que estão representadas em mais do que um país. E então fazem essa volta, digamos assim, depois têm sinergias, enviam os trabalhos.

Muito bem, agora estás aqui então nesta Essência, a tua nova exposição, esta segunda deste projeto, Identidade, da Galeria Coletivo 284. É um coletivo que eu gosto muito, já passei por lá por algumas exposições, uma ou duas vezes, desta brasileira Adriana Scartazzi, aliás, que é curadora dessa tua exposição, e do Paulo André, dos sócios fundadores e diretores criativos desta galeria, onde somos sempre tão bem recebidos pela Cristina Domingues. É extraordinário, é sempre um grande prazer. Como é que os escolheste? Eles já trabalhavam contigo ou já tinhas alguma colaboração?

Sim, eu trabalho com eles há cerca de dois anos, sobretudo numa lógica de exposições coletivas. Eles convidaram-me para participar num projeto ligado ao Dia da Mulher, que é a Imperfeita.

Já sei.

E a verdade é que ficámos com uma relação desde o primeiro dia muito interessante.

É um espaço, aliás, fabuloso.

O espaço é fantástico, liderado por pessoas fantásticas, tu também já conheces. E que tem uma energia fantástica e tudo isto é uma conjugação de muita qualidade. Quando eles me desafiaram para fazer esta exposição individual, isto era mais ou menos preparado com um ano de antecedência, foi um desafio, claro, que eu vi com muito bons olhos e com muito entusiasmo.

Sim, e merecia.

E verdade é que foi uma dedicação.

O resultado é muito bom.

Eu sou suspeito.

Claro, eu sei. Eu não, porque eu só fui visitar.

Eu não posso dizer isso.

Mas de facto, vale muito pena. Tens muita variedade, tens estes núcleos muito curiosos. São muitas obras, são 40, 40 e tal, o que é muito bom. E tens esses temas diferentes. As naturezas-mortas gostei muito, que são diferentes, aquelas cores sempre vibrantes, têm sempre uma paleta de cores que eu gosto muito, muito vivas, muito ricas. Gostei muito dessas naturezas-mortas. Gostei muito desta bonita homenagem aos grandes mestres. Isso achei muito bonito, foste pegar uns quadros mais icónicos de mestres que te influenciaram, do Picasso, do Monet, do Modigliani, do Malhoa, do Van Gogh, do Gauguin, de La Croix. É muito engraçado. Escolhes quadros e depois é quase um quiz. A gente vai lá e tem que identificar, procura identificar os quadros.

É um pouco.

Mas tu reinterpretas. É uma bonita ideia.

Explicando ali um bocadinho como é que surgiu essa composição. A verdade é que o coletivo é um espaço muito interessante para expor e que nos permite expor várias séries, porque eles têm a divisão do espaço que se presta muito a isso.

Exatamente.

Quando isto se colocou, e eu já conhecia o espaço, tive a oportunidade de conceber temas diferentes.

Conforme os espaços, porque aquilo, de facto, é quase de 20 em 20.

Também, e não queria cansar as pessoas e não me queria cansar a mim. Eu não precisava de me ver a pintar 40 quadros do mesmo tema, da cidade. Portanto, foi ótimo. Há pintores que conseguem, eu não consigo. Farto-me depois e tem de ser. Ali foi ótimo, porque consegui fazer, como tu dizes, e bem, uma série de naturezas-mortas, com a minha interpretação, crianças na praia, mulheres. E depois, havia um espaço que eu me lembrei de homenagear os mestres, sobretudo aqueles que me influenciaram. E estão todos convidados, naturalmente, a ir visitar a exposição para ver, mas a ideia foi pegar num quadro icónico, de cada um daqueles que mais me influenciaram, e interpretá-lo da minha forma. O Monet, o Sorola, o Renoir influenciaram-me em termos de cor, o Modigliani, se calhar, por causa daquele desenho delicado, muito alongado, muito estilizado. O Delacroix, que também aparece lá pelo drama e por aquelas composições. O fado do Malhoa também.

Famoso.

E, portanto...

Velázquez também?

O Velázquez também.

Muito curioso.

A sua técnica, os seus empastes.

É muito difícil.

Deu-me um gosto especial.

Não fugiste depois à parte da feminilidade, de parte todas as mulheres, que tu gostas muito. Eu vejo a tua parte dos perfis femininos e gosto muito, porque lembra-me sempre Sorola também.

Muito, tenho uma influência grande.

Muito. Mas depois é com a tua mão, o que é muito bonito. E isso tu consegues sempre fazer. Aquilo é tirado de fotografias tuas ou de amigos teus? Consegues?

Tenho todo o tipo de referências. Posso comprar a fotógrafos.

Ou a revistas.

Sim, ou posso ter algum amigo meu que tem uma fotografia fantástica que eu vejo e lhe peço. E depois tenho outras que eu tenho, naturalmente. Estou agora mais atento a esses temas e se vir alguma coisa interessante procuro imediatamente.

Andas normalmente com uma máquina fotográfica ou com o telemóvel?

Não, repara, eu ando com o telemóvel, porque eu ia dizer isso. Repara, muitas vezes a minha referência não é uma fotografia. Eu posso ter o fundo de uma fotografia, a figura de outra fotografia, um chapéu, uma mala, um elemento de outra fotografia e faço a composição depois. Ou seja, aquilo que nós falávamos do quadro ir se descobrindo ele próprio também acontece em termos de composição.

Tu constróis até aí. Na construção, digamos assim, passa a serenar. Também a parte da arquitetura está presente, que é uma parte da tua criação que eu também gosto muito. Esta parte das paisagens urbanas, temos aquela chuva. Os teus quadros têm aquelas tiras.

Tem quebrados.

A chuva é óbvia, quase, faz parte.

Presta-se.

Presta-se muito. Então Paris, Lisboa, Nova York aparecem ali também identificáveis. A gente vê logo os táxis amarelos ou vê logo a Torre Eiffel ou o que seja. E depois então estas coisas experimentais que tu fizeste, esta incursão nos caminhos da luz, da perspectiva, da geometria, que são estas infinity, estas instalações que tu fizeste.

Explicando um pouco. A verdade é que eu tenho o meu estilo, tenho a minha forma de ver as coisas e de pintar, e depois abordo vários temas para perceber um pouco qual é o resultado que tenho. Falamos daqueles temas, mas agora falamos das cidades também, não faria sentido não experimentar isso nas cidades também. E portanto, lá aparecem as cidades com esse estilo. A chuva, para mim, acrescenta um valor. Primeiro eu acho a chuva interessante, porque é um elemento aglutinador da imagem toda, tem reflexos, procura reflexos. Nós quando estamos molhados refletimos com outra força, a pessoa que está atrás de nós, as luzes que estão em cima ou do lado. E o chão que está molhado, que reflete tudo. Isso tudo acrescenta, para mim, muito valor a uma composição, a uma imagem. A chuva, para mim, é muito interessante. Para explicar um pouco a lógica das cidades.

Tu sempre gostaste muito da chuva, pintaste muitas vezes. Vemos os quadros teus antigos, com chapéus de chuva.

Mas era o que eu dizia, João. Há sempre uma ligação, embora tu às vezes não vejas no estilo, vês no conteúdo ou vês no tema.

Nos temas, exato. No teu percurso. Exato.

Há sempre uma forma.

Não estão aqui, mas eu lembro desses quadros teus antigos, com chapéu de chuva.

Desde sempre.

É muito engraçado.

Mas é engraçado porque eu acho que vou mudando e evoluindo, acredito eu, o estilo, mas revisito os mesmos temas com o novo estilo. Há conteúdos que são queridos, digamos assim, que estão sempre presentes. E depois, surgiu uma necessidade.

Esta infinity.

Sim, de materializar isto em três dimensões. Ou seja, o coletivo aqui foi um pouco o impulsionador disto também, porque o projeto a ser aceito em plena implicava ser um pouco fora da caixa, não seria uma exposição convencional.

Clássica.

"Queremos que tu faças qualquer coisa de diferente, gostávamos de mostrar qualquer coisa de diferente tua que nunca tenhas mostrado." E eu, de facto, já tinha esta ideia um pouco na cabeça, e depois quando lhes mostrei, eles: "Uau, é mesmo isto. Acho que era giro a gente poder apresentar isto pela primeira vez."

Quer dizer que já tinhas feito alguns ensaios nisto?

Já, um pouco embrionários, mas já. Mas nunca os tinha materializado. Acho que tudo precisa de um tempo. Acho que também não tinha aparecido o sítio certo para as mostrar, para expor. Essa é a verdade. Acho que tudo tem que encaixar. Tudo tem que encaixar.

Uma homeologia para aquela galeria, para aquele coletivo.

É um pouco. E portanto, eu acho que ali juntou-se tudo. Juntou-se as condições todas, eu saí da caixa, o mostrar aquilo também. E fiquei satisfeito, porque eu pelo menos senti que me realizei, consegui comunicar aquilo que eu queria. Claro que aquilo eu acho que tem potencial, não são obras, digamos assim, amadurecidas como é a pintura, no meu caso. Agora, também tem a maturidade toda da pintura lá metida. Não sei se estou a fazer entender. E portanto, nesse aspecto, deixa-me realizado.

Já abriu há uns dias a exposição, dia 11 ou 10 de novembro.

Inaugurou dia 11. Está lá até 3.

Já começou há alguns dias, está lá até 3 de dezembro. Tu tens tido algum feedback do público que vai?

As pessoas são muito simpáticas para mim.

Tu mereces.

Ou as pessoas são muito simpáticas ou eu tenho um ar ameaçador, mas dizem todas: "Muito bem".

Olha, ainda bem.

Não, e mesmo coisas que são importantes, que é naturalmente os meus pares, que são os colegas artistas também, que portanto têm outro olho, naturalmente, mais crítico, forçosamente, mas também mais experiente, mais treinado, pelas posições que vão. Os meus colecionadores, os meus compradores, críticos do mundo da arte, todas as visitas que eu tive.

Dás-te bem com a crítica, Rui?

Dou.

Em geral ou quase sempre?

Dou. Sim.

Tem um papel importante?

Eu acho que é essencial. Repara, eu não sou dependente deles, como não sou dependente de nada, mas eu vejo sempre a crítica pela positiva, que é o que eu posso. Tu dizes-me qualquer coisa e eu vou ver: há aqui qualquer coisa que faça sentido, que eu possa aproveitar ou não. Porque não quero ser injusto com as pessoas que elogiam o meu trabalho, mas quando te dizem: "Isto está bom, resultou bem" só, OK, ficas satisfeito, és uma massagem ao ego, mas não é com aquele comentário que tu vais fazer dada diferença.

Se calhar não te ajuda a evoluir ou a crescer.

É ótimo, alimenta. Quando alguém que te pode dizer qualquer coisa, e pode ser uma criança. Eu pintei na Serra da Estrela este ano, tive lá alguns quadros da natureza morta, e eu achava que aquilo estava a ficar resolvido. E veio lá uma senhora, já não me lembro, que eu pintei a apanhar flores ou uma coisa qualquer, e a minha pintura como é um bocado abstrata, ela dizia: "Porreiro, está giro". Ela: "Aquilo é areia?" Eu disse: "Areia? Vês ali areia?" "Vejo." "Por quê?" "Por causa disto e daquilo." E aquilo fez tudo luz.

E era uma criança?

E era uma criança. A visão deles, a crítica, percebes onde eu quero chegar? Não tem que ser de alguém letrado.

Exatamente.

Ou de um crítico. Muitas vezes é capaz de me dizer coisas que eu ouço e digo: "Está bem, é sua opinião, eu não estou aí."

E no fim os meus não têm filtro.

E de repente surge alguém do nada, que te diz uma coisa que tu encaixas aquilo: "Isto está bem visto, faz todo sentido o que estás a dizer, vou alterar isso." E assim foi. Percebes? Eu vou te explicar também outra coisa que eu acho, que é: quando a crítica é bem-intencionada, é ótima.

Mesmo que seja: "Olha, devias corrigir isto."

É ótimo quando alguém nos diz: "Faz isto, faz isto, tenta isto."

Tenta aqui.

Quando não é, também é ótimo. Porque a verdade é que quando alguém te dá uma crítica com alguma segunda intenção, tu também tens que saber valorizar isso e perceber.

Quem é que está por trás.

É.

Também é muito curioso.

Portanto, é assim. É sempre bom.

Tem os dois lados.

Seja pelo que for.

Tu aproveitas sempre.

A gente normalmente não critica pela negativa o coitadinho.

Exato.

Não é?

Não pode ser tão má a crítica, senão que mais compras aquele jornal. Aprendi que não vou gastar dinheiro com ele. Não, mas é importante para crescer. As críticas, se forem bem-intencionadas, como tu dizes, e se forem sobretudo construtivas, ajudam-te com certeza a evoluir e a crescer.

Claro que sim.

E é engraçado também, porque não sei se é uma ideia do Coletivo 284, também fizeram esta visita virtual, este metroporte que se pode fazer através do Photo Booking, se não me engano. Organizaram a visita, podes ir ao site deles e fazer uma visita virtual. É muito engraçado, com o rato vais andando, vais por corredores.

Tem outro sabor. Mas sim, eu acho que o coletivo também resolveu tudo fora da caixa. Eu acho que eles abordam e exploram e estão sempre a tentar abordar o tema da galeria, neste caso, da visualização dos quadros, da promoção dos quadros, de formas pouco convencionais. E essa é uma delas. Eu acho que fica o convite para todas as pessoas poderem ir ao coletivo ver, de facto, essa visita virtual, porque eu acho que está muito bem feita.

Rui, tu consegues viver da tua pintura?

Felizmente sim. Já há uns anos.

Isso é bom.

Felizmente sim.

E todos os quadros que tu pintas guardas algum registo? Devias guardar.

Não, tenho que guardar.

Para tirar uma fotografia, um portfólio, porque depois custa-te separar dela. Tens que vender para comer. Mas custa-te separar dos quadros, são como filhos.

Eu costumo dizer que um quadro tem que fazer a sua viagem. Eu acho que mais tarde ou mais cedo, depois acabo por encontrá-lo. Mas acho que é mesmo isso. Acho que fico supersatisfeito de saber que as pessoas estão com eles.

Foram animar outras casas, outros lares.

Sim, eu vendi já há algum tempo, um quadro que eu me lembro do galerista me dizer assim: "O homem comprou o quadro." A exposição, imagina, acabava dia 10, estávamos ali a dia um e a pessoa normalmente levanta o quadro no final da exposição, no dia 10. Ainda tinha algum compasso de espera até levar o quadro. E ele dizia: "A pessoa vem cá todos os dias e senta-se ali e fica a contemplar o quadro, porque diz que aquilo traz-lhe tranquilidade, medita naquilo e mais isto e mais aquilo."

Bonito. Lógico que é bonito.

E quando tu ouves estas coisas, e acabam por ser algumas vezes, porque as pessoas compram quadros, depois acabam por te transmitir um bocadinho porque o compram, porque o cedem. Tu achas aquilo animador e dá-te gosto ficares representado na casa dessas pessoas e fazeres parte ali do lar da família delas.

Há alguns teus quadros que tu guardas para sempre, que conservas, não venderias por nada neste mundo?

Sim.

São mais icónicos para ti.

Talvez os retratos dos meus filhos, coisas assim, coisas que eu fiz especificamente. Os outros, não. Por isso que eu te estou a dizer, se aparecer alguém, que é o que acontece. "Porque é muito isto, porque isto faz-me lembrar, isto representa isto. Eu vivi ali, eu estava ali, morava ali, faz-me lembrar o meu filho, a minha filha."

Isso é engraçado. Até porque tens uma grande produção, é muito engraçado. Vai ao teu site, tens um site, Rui Carruco, será?

Pois, eles não gostam de se dizer.

Eu sei, mas é ruicarruco.pt

RuiCarruco.com.

Pronto. Consegues ver a produção, de facto. Tens por temas e tudo, e são uma infinidade de quadros que pintas esmolos. Produzes muito, o que é muito bom. A parte das cidades, a parte das coisas, as praias, tens uma infinidade, o que é muito bom. Aí as pessoas também podem tomar contacto com a tua arte, antes de ver esta exposição. Rui, eu quero-te agradecer muito a tua disponibilidade em vir aqui. Ainda por cima, vieste com a família quase toda, falta só um filho. Com a família quase toda, que vieram aqui, que estão aqui também a fazer-nos companhia. Mas quero agradecer o teu entusiasmo pela tua família, pela tua pintura, tu gostas de mostrar coisas bonitas às pessoas. Nesse caso, então, deixo este convite. Agradeço esta tua disponibilidade, mas deixo este convite para quem nos estar a ouvir, para mergulharem neste mundo de cores, de formas, de emoções, desafiando preconceitos, explorando as muitas facetas da arte contemporânea. Portanto, não percam esta exposição "Essência" do pintor Rui Carruço, a segunda deste projeto Identidade, que está patente até 3 de dezembro na galeria do coletivo 284, no Rua das Muradas, 72 A, em Lisboa. Sextas, sábados e domingos à tarde, das 14 às 19. A entrada é livre ou então por marcação, pode sempre ir. Rui, bem-hajas e corra tudo bem com a tua exposição.

João, obrigadíssimo também. Gostava imenso de agradecer mais uma vez esta oportunidade de falar contigo. É sempre um gosto também. Obrigado pela recepção, da minha e da minha família também. É um gosto estarmos todos aqui também e poder partilhar contigo e com as pessoas lá em casa a minha arte.

Muito obrigado. Até à próxima.

Obrigado eu.